Photographs by Chuan-Yu Kan
 | 此套服裝是將二手西裝改造為休閒及街頭感甚強的連身工作服。 |
維克多帕帕尼克 (Victor Papanek) 1970年代出版的著作《Design For the Real World》，點出諸多設計產業的迷思與謬論，其觀點至今依然受用。帕帕尼克的舉證並未點名時尚產業，但時尚上游紡織工業對水資源的需求更勝建築工業，大量使用化纖與染劑對環境造成的影響不容小覷，其商品壽命遠較任何設計產品短暫種種特性在在符合帕帕尼克的批判。2009年，數個國際連鎖服裝品牌被媒體舉發，其工廠在第三世界國家造成環境汙染、以及寧可將過季商品銷毀，也不願低價銷售或捐助公益等多起事件，舉世譁然。然而，「環保」與「回收」意識逐年滲入各領域，時尚產業近兩年也吹起「綠時尚」(Eco Fashion) 革命，如1997年發跡於倫敦 Brick Lane 的高級街頭品牌 Junky Styling 即是一例，透過其於三月舉辦的2011年秋冬時裝秀「Junky Air」，則可完整看出品牌對「再生時尚」(Upcycled Fashion) 的貫徹信念。
「再生」一辭，首見於1994年德國製造商皮爾茲國際 (Pilz Gmbh) 的專訪，用以形容將廢棄物料回收、再製為全新素材或商品的過程。這些新素材與商品之功能或作用，將不同於原本的廢棄物料，其品質將較原物料更優良且符合環境保護需求。目前，服裝產業多將「再生」的技術應用於紡織工業，例如：以回收咖啡渣、寶特瓶再生的科技紗線。然而 Junky Styling 的「再生」，則是較「回收」(Recycled) 具更新穎的技術與概念—即回收廢棄衣物，完全破壞拆解後，再製為全新高級時裝。其有別於當今所謂的「綠時尚」(Eco Fashion 或 Sustainable Fashion) 以常見的綿、麻、羊毛等天然素材製成之衣物，或最近逐漸出現使用舊衣改造或回收布料 (Recycling Textile) 製造之衣物。而是將廢棄衣物視為零件，提出一種新的環保與時尚的關係、與設計師創作時的新思考方向。
 | 此兩套連身褲裙的素材皆來自西裝內襯布，幾處滾邊甚至可以窺見領帶布料的蹤跡。 |
Junky Styling 品牌創始者兼服裝設計師 Annik Sander 與 Kerry Seager，以新式 「再生」為概念，混合東倫敦街頭獨到的頹廢嬉皮文化，從世界各地收購二手衣物 (特別是男性西裝) 作為創作素材，將衣物完全拆解，並用不亞於高級時裝的手工再製，令衣服由精緻優雅的西裝「重生」為具強烈街頭風格 (Street Style) 的款式。仔細觀察 Junky Styling 2011的秋冬時裝秀「Junky Air」，其服裝擁有濃厚的50年代與70年代倫敦街頭風格，說明在地文化對 Junky Styling 的影響，同時，Sander 與 Seager 在細節處留下它們源自筆挺西服的蛛絲馬跡，例如：以領帶布料滾邊、以西裝內裡製作連身褲、以針織衫拼接洋裝等設計。設計師不僅令廢棄西裝再生，也將再生的過程呈現在消費者眼前，又不淪入舊衣改造的框架。即使 Junky Styling 沒有大張旗鼓地宣揚他們對環境的理念，人們仍能在其服裝設計細節中，察覺他們對「再生時尚」的貫徹信念。
 | 此套服飾為設計師向日本災害致意的創作。 |
Junky Styling 品牌公關 Krt Williams 先生表示：「我們以『Upcycled』作為概念進行創作已有十數年，沒有甚麼比我們的品牌概念以及 Junky Styling 的服裝更符合現在全球的綠趨勢。」他進一步談到 Junky Styling 對全球綠時尚趨勢的想法：「我們認為，目前風行全球的綠時尚概念，並不僅僅是一個趨勢，而是反映時尚瞬息萬變的面貌。」
的確，帕帕尼克的著作出版於戰後，環保意識抬頭的70年代，綠設計的概念已存在近半世紀，為何直到2011年的今天才大吹綠色風？值得深思。尤其，向來貫徹「One Day You Are In, The Next Day You Might Be Out.」的時尚產業，諸多國際品牌過去遭受保育團體撻伐，如今卻一改原先的堅持向環境保護議題靠攏，綠時尚究竟是一季趨勢、市場需求、亦或整個工業對環境的反思，仍須觀察。
不過，Krt Williams 先生指出，他們仍相當樂見這一類「綠時尚」知識與概念逐漸落實在學校教育中。他們深信「教育」是將常識倒入日常的重要渠道，無論是食物或服裝，皆可透過「教育」成為生活的一部分，綠色時尚的概念亦是如此。藉由教育，綠時尚將不再只是口號、趨勢、或依附市場需求而生產的商品。市場或許為呼應一時的趨勢，但 Junky Styling 一例仍可窺見，時尚產業中不乏長期關切綠色議題人士，且綠時尚趨勢自2000年以降逐漸攀升，似乎在在說明它將不僅是另一個曇花一現的流行
「所有的一切接關乎於『回收』與『再生』的概念。」一位替滾石雜誌撰寫專欄的老先生於秋冬時裝秀後表示的見解，令人印象深刻：「無論是現場的放克音樂或 Junky Styling 的設計，暢談的皆是一種『再生』的思想。難道你不認為，有時候『時尚』就是一種將歷史拆解、回收、再生的過程嗎？」 |
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Photo credits: 台北當代藝術館
當代時裝設計的社會語彙－mintdesigns 的不經意哲學
在資訊爆炸的時代中，人們急於追求新事物，且有恐懼落後的心理，然而在這樣的社會脈動中，來自日本的知名雙人組時裝設計團體 mintdesigns 卻反其道而行，從逆向思考來闡釋時裝設計，藉由讓人們慢慢地在不經意的時刻中，發現身上穿著的服裝趣味所在，或將廢紙轉化為「新」衣服，從貼近真實生活的面向，做出對於時尚流行的獨到見解。此次 mintdesigns 在台北當代藝術以「不經意的快樂—印花ㄑㄩˋ」主題展出，可看到 mintdesigns 的經典圖紋印花布料，還有採用絞碎成細長條的回收廢紙，加入衣料予以編織混合所製作的服裝。此展除了作為該團體十年來的成果表現，也適時的為當前的科技社會現象做出另一番註解。
由勝井北斗及八木奈央共同創立的 mintdesigns，以創新多變的印花圖樣和高度的原創性的設計著稱，在《Trash, Splash, Flash》系列，將大量回收的雜誌文宣品以碎紙機碎成條狀，再加以拼織為火花綻放狀的衣服、頭飾與空間裝置，一方面反映被爆炸資訊圍繞的現代人，另則試圖從龐大的資訊垃圾中，翻找對於美麗的新詮釋，也使得人們享受在不經意之間發現這些獨特組成元素的驚喜。勝井北斗提到，那些看似垂掛在衣服上的碎紙條是可以洗滌的素材，扣子則是將紙類壓縮製成，泡水12小時會膨脹，曬乾則會恢復原狀。這些服裝的設計前提，都是為了能夠穿戴它們，使藝術和生活自然交融；而碎紙條更隨著人們的穿戴活動而組構出多變的有機樣態，喚起眾人重新檢視被稱之為垃圾的物件。
 |  | 左圖：mintdesigns 所展出的經典鋸齒紋《Zig Zag》系列，以及小童重複拼貼而成的《Dot Doll》系列。 右圖：最後方作品為 mintdesigns 應用鋸齒紋所設計的雨衣。 |
更多不經意的發現，也藏在由無數小童重複拼貼而成圖紋的《Dot Doll》系列。當小童拿著剪刀排列時，如同千鳥紋般的重複拼貼；細看的話，會發現有些小童圖案是不完整的，像是消失的腳、斷掉的手，也有些印歪了。這些一般人會認為是不該出現的錯誤，但兩位設計師則認為，允許「不經意」介入設計過程或甚至工廠的生產流程中，反而有可能超越時尚設計一直以來的思維框架與操作習慣，而產出更多元、開創、有趣的成果，進而開啟人們在設計與生活的關聯性與新視野。
mintdesigns 在去年獲得了已有29年歷史的日本「每日新聞時尚服裝大賞」，而 mintdesigns 的設計風格，有別於這個獎項歷年來的主要得主，如三宅一生、川久保玲、山本耀司等，這些多半以俐落極簡語彙風靡國際時裝舞台的設計師。因此，mintdesigns 的獲獎，反映著時裝工業將朝向更多元的社會面向做連結，在當代的時裝美學設計元素與構造上，縫綴更貼近人文的思考方式。 |
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Photographs all by 劉一儒
守舊前衛：傳統工藝與前衛時尚之舞 － Lesage 刺繡工坊
經典法國時尚代表品牌香奈兒，在鬼才設計總監 Karl Lagerfeld 主導下，不斷推陳出新的創意，讓它在時尚圈始終佔有相當重要的一席之地。目前旗下共擁有七間頂級傳統工藝作坊的香奈兒，無論是服飾或首飾配件，透過設計師與工藝師傅們充滿創意的合作，每一季的新作發表總讓人驚豔不已，如此巧妙結合傳統技藝與前衛時尚的手法，不但令時尚產業益發精緻化，也同時保存了頂級傳統工藝，將1＋1大於2的跨界力量發揮到淋漓盡致。
香奈兒旗下頂級傳統工藝作坊之一的 Lesage 刺繡工坊，在時尚圈內可謂名聞遐邇，吸引了無數國際巨星及超級名模前往朝聖，就只為一窺頂級華服誕生的秘密基地。超過百年歷史的 Lesage，和香奈兒合作的契機，源於一次現任經營者 François Lesage 與 Karl Lagerfeld 偶遇的午茶聚會，英雄惜英雄的兩人在一番暢談後得到了「若缺少了古老技藝，法國時尚也將失去靈魂」這樣的共識，為了將逐漸式微的古老傳統工藝延續下去，香奈兒在之後幾年間，便陸續將法國最頂尖的數家工藝作坊攬入旗下，Lesage 刺繡工坊也在2002年加入，成為香奈兒縱橫全球時尚產業的幕後功臣之一。
成立於1858年的 Lesage 刺繡工坊，參與了手工製造業鼎盛的20年代，也曾經歷過高級訂製服式微及經濟大恐慌的倒閉危機，走過一個多世紀的艱辛，至今工坊裡累積的近6萬5000個繡卡和繡片樣本，就是最好的見證。收藏室裡數量龐大的檔案盒分門別類的層層高疊至天花板，非常壯觀，盒內這些檔案資料可是由超過60噸的材料並耗費900萬個工時製作而成，其中包含了許多如 CoCo Chanel、Jeanne Lanvin、Elsa Schiaparelli …等各年代大師所設計委託製作的繡片樣本，不但是 Lesage 最珍貴的資產，也是一部記錄了近代法國高級時裝演變的最佳史料。
聲名遠播的 Lesage 刺繡工坊，以一種卓然獨立的姿態，靜靜的坐落於巴黎第九區的小巷弄間，在這幢古老的典型法式建築中，有約莫30位技藝超群的刺繡師傅，每天聚精會神的在這裡一針一線繡出最美麗絕倫的霓裳。這種慢工出細活的工作相當費神，也相當的耗費眼力，因此除了高超的手藝外，沒有絕佳的耐心與毅力是無法勝任的，儘管如此，這些頂尖刺繡師傅們依然不斷巧手變化出設計師們心中最美的藍圖，用各種繡線、寶石與亮片，繡縫出一件件最美的禮服，打造出時尚舞台上最閃亮耀眼的主角。
François Lesage 及他領導的設計師及刺繡師傅團隊，最常態性的工作即是為委託的設計師們製作出一系列的刺繡設計，例如一向和工坊有密切合作的香奈兒，每季新裝設計都會將創意構想和設計草圖委託給 Lesage 加上刺繡，2010年的驚豔之作即為《PARIS - SHANGHAI 巴黎上海，夢幻之旅》工坊系列，經驗老到的刺繡師傅們以亮片、串珠等物件，一針一線縫製出宛若古代戰服般的中國風新裝，光是許多局部性的繡樣就需耗費數週的工時才能完成，精細繁複程度令人咋舌。而為了達到最佳的表現，師傅們更嘗試了許多創新的手法，例如以燒灼亮片的方式營造出老舊龜裂的效果，呈現出古代戰袍的歷史感，堪稱一絕。有鑑於許多傳統工藝作坊流於老派守舊，終究因過時而被時代所淘汰，Lesage 勇於在傳統紮實的技藝基礎上求新求變的突破精神，也是這間百年老舖始終歷久彌新、屹立不搖的最大因素。
除了持續打造出絕美華服外，為了讓刺繡工藝能傳承下去，François Lesage 更於十多年前於工坊樓下創辦刺繡工藝學校，公開招募學員，專門用來培育新的刺繡工藝人才，由最頂尖的師資們將最好的技術傳授給有志於刺繡工藝的人，儘管學費相當高昂，仍吸引了許多感興趣者或服裝設計師前來習藝，其中不乏外國學生遠渡重洋而來，進入 Lesage 門下，投身於刺繡工藝的世界，由此可見法國頂級刺繡工藝之珍貴。據說 François Lesage 先生非常重視這所由他一手創辦的刺繡學校，每天一定不會忘了先到樓下的學校看一眼，才能安心的赴工坊展開一天的工作。
除了和香奈兒的合作廣為人知外，Lesage 一直以來也是 Dior、Givenchy、Yves Saint Laurent、Christian Lacroix 等頂尖品牌的重要合作夥伴，不斷為每一家品牌打造出風格各異的經典佳作。現年已81歲高齡的 François Lesage 先生，從20歲接管 Lesage 工坊至今已長達一甲子的時間，卻仍持續為創造永垂不朽的刺繡工藝而努力著，相信就是憑著這股熱情，讓 Lesage 先生永保活力，也支撐著Lesage刺繡工坊不斷的往前邁進！ |
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Photo credits：喜事國際
Maison Martin Margiela 2011年的春夏系列走出女性身 體框架，解放囚梏在衣櫥裡的老派思想，一件件隱匿女性曲線 、看似搞怪的服裝，其實不僅僅只是吸引焦點的噱頭，更是無 聲張揚著抽象的反叛意識。在強悍又詭異的設計處理下，女性 獨有的細膩思維和性感，在衝突下張顯得越是清楚。
此次 MMM 春夏女裝系列提出疑問：當男人習以為常的衣著 特色，被女性所擷取會造成如何的反差和效果？綜觀男女各自 的服裝特點後，以寬大男裝為靈感，運用立體感強烈的剪裁拼 接技法，結合特殊布料，顛覆服裝平日的型態，呈現有趣的平 面視覺方式，就像撲克牌裡的 J、Q、K，誇張的方形框架，提 醒著都會女郎們應該擁有的特質 ─ 多變、自信、大膽、風趣、 品味。所以想當然耳，當如此前衛的訊息和實驗性設計，一出 現在講求變化的時尚舞台上時，橫掃眾生的魅力和氣勢會多麼 讓人驚艷 。
總是與挑戰在拉扯的 MMM 將剪裁藝術與服裝的結合發揮極 致，比如將一件簡單的晚禮服做正面切割，剪裁成尖銳、超越 人體工學的誇張矩形，背面反而驚喜地以性感無比的線條與鏤 空設計魅惑每一雙眼睛，令人震懾於這位比利時設計師 Martin Margiela 所擅長在時尚界騷動、起義的全新感官體驗能力。而鞋 子的設計靈感則來自於傳統的舞台鞋，打造融合跟鞋、涼鞋、 細繩鞋特色的混血新種。
柔軟的針織織品、甲蟲般的可愛金屬飾品、精緻的完美絲絨 ，成就了每一件宛如藝術品的創意服裝；另外，特別以外表結 構和圖像的變化，製造出超現實的迷幻輪廓，同時利用新穎的 縫製技術和創意，將象徵保守和男性的運動上衣、襯衫、厚呢 大衣，變成輕盈的洋裝和外套，為敢於表現自我的女性，帶來 了未曾體驗的革命性穿衣模式，MMM 撲克牌女郎，再度挑戰傳 統與保守，另類詮釋女性的身體線條與風格。
而 Martin Margiela 衷情於強硬與柔美對比變化的喜好，也反應 在本季系列服裝秀的特殊舞台剪影設計，背後矽樹脂的螢幕設 計3D 軟性畫面處理，搭配服裝正面上的2D 壓印技術圖騰，在技 術性現代科技的背景巧妙襯托下，展現女性前後迥異的不同風 格，再次地為這突破性品牌標註下難以取代的流行定義。 |
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一件畫作的呈現方式，若非安靜的陳列，躍上T恤，以動態展示也不失創作的本意。T恤設計的出發點，可以是傳遞理念，或者單純專注於美學，最終回歸於實穿與否，布料上的圖像設計，若以現有的經典畫作呈現，除了對藝術家本身而言是創作載體的延伸，相對於T恤品牌，更宛如是一場移動式的畫布，讓藝術的魅力輕鬆在街頭上演。
最近在國內外皆有類似的例子，畫作的載體同為衣服，延伸出的效果卻各有亮點。近年不斷顛覆潮牌想像的 Pizza cut five，一直以來以創意品牌自居，他們與台灣藥牌老廠合作、將滷肉飯搖身變成設計潮牌的一環，幾個老翻新的例子後，聯名的創意再度進化，現在 Pizza cut five 的視野延伸到亞洲藝術，「美的事物需要被更多人看見」，簡單的理由，Pizza cut five 將已故法國華裔畫家常玉的作品印上T恤，融合兩者的恬淡及率性。
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塗鴉藝術家 Nate Lowman 和其作品。Photo credit：Sisley |
常玉的作品，在後世的解讀中，常代表反射他內心世界的一面鏡子，總帶點凋零與淒涼，但又不缺一種淡淡的隨性意味。他旅居於法國巴黎，在尚未大紅大紫時，常玉的作品賣給巴黎的尋常人家，但逝世後的回顧展卻造成極大迴響，時勢至今，常玉作品的影響力蔓延到台灣的街頭潮牌，Pizza cut five 也說，常玉成功融合東西方畫風的精髓，他走出一種專屬，每個人都值得擁有這樣的美。
在 T 恤的應用上，油畫本身並不是適用於布料，但 Pizza cut five 將常玉的畫作稍做解構，擷取他經典畫作的線條，將之應用在T恤令人會心一笑的位置，並且以輕材質設計出不對稱的版型，又不失原作的一派瀟灑，因為圖像是畫作，因此T恤上少不了常玉獨有的中、法文簽名，以及詳盡的作品介紹，Pizza cut five 認為此舉，不是每個人都有能力擁有上千萬的畫作，但這樣藝術與潮流的結合，足以讓人沉醉於常玉的生活美學。
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早期龐克、新浪潮藝術家 Jane Dickson 的作品。 Photo credit：Sisley |
將畫作應用在衣服上是一種，直接彩繪，卻也是十足珍貴的作品。Sisley 最近即邀請17位藝術家，在重機皮夾克上作畫，這樣的點子雖然不是創新之舉，但卻代表一種對美國流行文化的致敬。從五十年代至今，皮夾克一直代表酷的象徵，包括馬龍白蘭度、安迪沃荷等名人，在當年善於以皮夾克、牛仔褲、面罩型墨鏡和 beatle 靴子搭配，安迪沃荷還收集了由新浪潮藝術家 Stefano 所繪的 Jean-Michel Basquiat 肖像夾克。
Sisley 這次收集的新作與收藏品，皆會運至安迪沃荷展覽館展出，而後拍賣收益亦捐至此展覽館。其中創作的風格包括塗鴉、抽象畫及龐克感，安迪沃荷展覽館的館長 Thomas Sokolowski 也曾表示，「這項極具創意的藝術活動。正如我們的偶像安迪沃荷那樣迅速掌握時代脈動。」而這次展出的主持人 Glenn O’Brien 穿過的一件機車夾克背面繪有皇冠，則出自 Jean-Michel Basquiat 手筆，硬漢的畫風讓皮夾克更具新的時代意義。
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 「女人沒有了愛，死後將一無所留。」 堪稱二十世紀最偉大的女性時尚設計師，CHANEL創辦人Gabrielle Chanel寫下的時尚史，幾乎可以說是一部女人的美麗史。
暱稱CoCo的香奈兒女士，最擅長詮釋女人的優雅和浪漫，這樣的風格和原則，也確實映現在她的一生之中。
 「我要成為一名特別的人！我要美麗、我要掌聲、我要在街上引起騷動。」
1883年出生於法國索米爾的Gabrielle Chanel，幼時歷經母親去世，父親離家，直到十七八歲才離開孤兒院，但這樣的遭遇並沒有讓她喪失志氣，努力在孤兒院學會了縫紉。
Gabrielle Chanel也時常幻想自己是華麗的公主或新娘，喜歡穿著華麗醒目的服裝，也許是想擺脫在孤兒院長大的事實，她期盼自己成為一名特別的人，努力想要成為眾人注目的焦點。少女時期的她，甚至曾到穆蘭酒吧應徵歌手，直到成為商人艾迪安的情婦，才開始起步她的時尚事業。 |
 「愛情是最好的靈感。」 Gabrielle Chanel因為艾迪安的佔有慾和大男人主義而離開了他，之後結識的第二任情人凱裴爾曾對她說：「生在沒有地位的家庭裡，如果想要得到自己的地位，只有一個方法，就是在事業上成功。」凱裴爾也成為Chanel感情世界裡真正愛她，並給予她許多支持和靈感的重要人物。
直到戰爭爆發和現實因素，凱裴爾和貴族女子結婚，讓Chanel又成了情婦。Chanel一生未婚，之後也陸續和藝術家、流放公爵、詩人、和運動員等名人譜出璀璨戀情，愛情世界可以說是多采多姿。
 僅僅是兩個交疊的雙C圖案，就風靡了全世界的女人，香奈兒的時尚王國，創造出無數經典的時尚傳奇。不管是讓她一舉成名的優雅套裝、顛覆當時時尚圈的第一款女性褲裝，經典的Chanel No.5香水、甚或珠寶設計，都讓女人有了新的面貌，拋棄傳統的女性形象，再創優雅新定義，讓女人的身體獲得自由。對於Chanel來說，時尚不只存在於伸展台，更是一種不斷變化的生活方式。 |
 「簡單，就是所有優雅的真正基調。香奈兒的優雅，就是永遠保持簡單和舒適。」
有人說：「當妳找不到合適的衣服時，穿Chanel就對了。」香奈兒俐落簡潔的風格，在當時流行的繁複設計中成為話題，修長合身的直線條設計，也讓每個女人趨之若鶩，成為衣櫃裡的必需品。Chanel的成功，除了本身的創意和天份，她的勇敢也是關鍵：勇敢面對生活現實、勇敢面對愛情挫折、勇敢挑戰傳統印象，成就了Chanel－和所有女人的夢想。 |
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「時尚設計可以從兩方面來說：一是不合潮流，為自己而設計；這設計最終將趨向自身的Style，而不是跟隨世界潮流的趨勢。另一種是跟隨潮流的設計，但其實這是最不合潮流的設計。」?──Agnes Trouble
與其說它是個品牌，不如說它是種精神。
或者…更貼近一點來說，應該是一種生活。一方面說的，是它平易近人的定位，另一方面，也是它飽滿的人文況味。
來自法國的經典品牌agnes b.是由Agnes Trouble女士於1975年在巴黎所成立，現今分店遍佈全球，更因為設計師的理念和喜好，發展出agnes b.獨有的法式人文藝術精神。
「服裝應該使人快樂輕鬆、充滿自信。」Agnes Trouble這樣說。
沒有繁複奢美的手法，沒有譁眾取寵的炫技，agnes b.向來強調自然隨性、簡約合宜的設計風格，也是因為這種低調、自在的法式風情，讓agnes b.走出自己的路線，吸引另一群重視生活質感、不盲從流行的時尚消費者。
正當越來越多的品牌為了每一季的時裝發表的形式和話題絞盡腦汁，agnes b.卻從不熱衷此道，始終維持低調簡單的演出和詮釋方式，這也跟agnes b.強調服裝設計應該有它的恆遠價值有絕對關係。線條簡潔、材質天然、剪裁和色彩都務求簡單的風格，也成為agnes b.的魅力所在。
「我不想成為一名出類拔萃的設計師。」其實，你大可說她是個生活藝術家。 你聽過時尚品牌開餐廳、開飯店，但你聽過時尚品牌開電影院嗎？不久前到香港和友人見面，參觀了位於灣仔香港藝術中心的agnes b.電影院，院內正展出草間彌生的紀錄片。
Agnes Trouble毫不客氣的展現她對於電影的熱愛，不時贊助藝術電影，甚至親自成立電影製作公司。每年的金馬國際影展和台北電影節等相關活動，agnes b.也不遺餘力提供贊助，發展出許多影展贈品和海報等值得珍藏的製作物。店內更不時張貼及贈送電影或設計師作品海報，讓藝術自然而然地滲入生活之中。
agnes b.對於藝術推廣的熱情，可以說無設計師能及。除了最愛的電影，也曾贊助國內外大大小小的藝術活動、展覽演出，發行音樂CD、書籍刊物，或甚至將對藝術的熱愛延伸於設計作品之中。近年流行的異業結盟，更早就被agnes b.玩得透徹了。
「我是如此幸運，能擁有這樣的生活。」甚至，她毫不吝嗇邀你一起分享。
Agnes Trouble雖年近六十，但她喜歡搖滾、擁有哈雷、養了一隻寵物蜥蜴(還成為運動系列的LOGO) ，總是認真面對生活，珍視生活中的每個片段，讓生活成為工作和靈感的來源，這也是agnes b.饒富人文氣味的原因。再回到香港，2008年agnes b.在中環IFC內成立首間「LOGGIA」旗艦概念店，以店中店的形式將男女裝、SPORT b.、首飾、VOYAGE、旅遊概念店、花店、餐廳、和巧克力店等結合在一起。而LOGGIA正是Agnes位於法國東南部小鎮一間避暑度假屋的名稱，因此裝潢以一系列圓拱、柱子、長廊、和玻璃幕牆等法式風情為主要風格，她希望能將那份法式悠閒和愉快的度假氣氛跟大家分享，就好像邀請大家進入她的度假小屋，或敘舊或漫不經心地，享受屬於自己的生活的美好。
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